STEELHEART – TANGLED IN REINS – 1992

 

STEELHEART – TANGLED IN REINS – 1992

 

Sin duda esta banda sentó un muy buen ejemplo de lo que es hacer buen glam de alto nivel y gran calidad aunado a excelentes canciones tal y como lo demostraron en su anterior disco “Steelheart” (1990) donde destacaron excelentes canciones y sobre todo la genial voz de Miljenko Matlijevic quien es una de las mejores voces del glam metal alcanzando timbres muy altos que dejan fríos a Sebastian Bach o a Axl rose. De todos modos, esta es una gran banda que tenía de todo para seguir evolucionando y que mejor que en este trabajo en el que se les oye mucho mejor acoplados y ensayados, donde los temas y los riffs de guitarra son tremendos, con este sorprendente disco en el que no perdonan nada. Donde despliegan su talento a todo lo que da, pero con mejor escuela, con mejor nitidez y sobre todo con excelentes ejecuciones. Una balada que supera a la melosa “I’ll never let you go” de su anterior trabajo, un material que se escucha de principio a fin en el tiempo exacto y con los temas perfectamente bien estructurados y cuajados. Para mi modo de ver y escuchar, el mejor disco de Steelheart. Es una pena que con la llegada de la era grunge estos trabajos fenomenales se hayan quedado arrumbados en un rincón, sobre todo porque estas bandas estaban ya en el camino de perfeccionar su sonido para darle a la era post glam el toque final necesario para consolidarse como un género muy importante dentro del ancho mundo del metal. La producción es de primera para la época, la grabación es excelente y la portada muy buena la verdad. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Loaded mutha”, “Sticky side up”, “Late for the party”, “Love’em and I’m gone”, “Take me back home”, “mama don’t you cry” y “Dancin’ in the fire”. El disco Salió a la venta el 10 de julio de 1992 bajo el sello de MCA records.

 

Calificación: 10 de 10 puntos.

HELLOWEEN - MASTER OF THE RINGS – 1994

 

HELLOWEEN - MASTER OF THE RINGS – 1994

 

Sin duda este disco marcó el final y el principio de una era de esta banda ya que llevaba sobre sus espaldas el fallecimiento de su baterista Ingo Schwitchtemberg y la funesta salida de Michael Kiske quien quiso hacerse al divo con Michael Weikath y le salió mal. A lo mejor su estilo vocal no encajaba con este disco o a lo mejor sí, pero sí hacía falta un cambio de dirección en el sonido y en el estilo vocal y de la banda Pink 69, tuvo que llegar el señor Andi Deris y el ex baterista de Gamma Ray Uli Kusch. De plano estos dos le inyectaron nueva energía a esta banda y con un poco más de libertad creativa al guitarrista Roland Grapow, le dieron una nueva cara y un nuevo sonido a estos chamacos que nuevamente reinventaron ese power metal que crearon hacía años atrás con un sonido más rasposo gracias a las guitarras Gibson y actualizado a esa década noventera llena de sonidos grunge por todas partes y que llevaron a muchas bandas a cambiar su dirección o a desaparecer con los fracasos que esto traía consigo. Afortunadamente, no paso esto con ellos. Un disco que si bien no es lo mejor de Helloween llevó a muchos fans a cuestionar su estaba bien lo que hacían en ese entonces. Un disco que superó a los dos anteriores, pero no tenía aún el empuje necesario para que se pueda decir que valió la pena el cambio. Fue difícil adaptarse al cambio, sobre todo por la costumbre que había con la voz de Kiske quien también de fue por el rollo cristiano y lo hizo dejarlos. Se percibía que la música tenía para más y lo sabían, por eso pulieron más sus composiciones. Con todo, el disco es muy bueno, tiene canciones muy buenas unas y muy malas otras mas las intenciones de no dejarse intimidar por una audiencia difícil estaban muy firmes y con muchas ganas de arrasar intentando recuperar los fans que perdieron tras los “Keepers” y generar a nuevos. Un trabajo bien producido, bien hecho, con composiciones bastante más potentes, muy buena producción donde destaca mucho el feroz sonido y las evoluciones con el instrumento de Uli Kusch quien es uno de los mejores bateristas del mundo. La portada en alusión a la novela de J.R.R. Tolkien es muy sencilla y elocuente. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Sole survivor”, “where the rain grows”, “Why?”, “Perfect gentleman”, “the game i son”, “Secret alibi” e “In the middle of a heartbeat”. La edición limitada en digipack contiene un disco en el que vienen canciones que no salieron en el disco. El disco salió a la bemnta el 8 de julio de 1994 bajo el sello de Castle Communications records.

 

Calificación: 7 de 10 puntos.

DEF LEPPARD – RETRO ACTIVE – 1993

 

DEF LEPPARD – RETRO ACTIVE – 1993

Aunque no es considerado dentro de los álbumes principales de esta banda, podría decirse que si lo fue en cierta forma ya que representó un camino hacia lo estaba por llamarse la evolución de Def Leppard hacia la década que empezaba de los años noventa. Este disco aunque cargado de temas reciclados y sobrantes de sus anteriores discos marca el final de la era de esta genial banda como se le conoció en los años ochenta e inicio su transición hacia una caída en picada que tres años más tarde se diera con el fatídico “Slang” (1996) y ahí hasta abajo que les costó su permanencia en su sello disquero. Un disco de auto covers a excepción de Action de la banda Sweet, y que curiosamente muchos de la era juvenil de ese momento atribuyó que era una canción propia de ellos, algo parecido a Cum on feel the noise con Quiet Riot de la banda Slade. Un disco con una producción que enfatizó el sonido de Def modernizandolo pero sin perder su escencia, una batería que sonaba genial a pesar de ser electrónica, temas muy buenos que inexplicablemente no aparecieron en sus discos anteriores y versiones raras de los temas nuevos. Aquí escuchamos las últimas grandes baladas de hard rock melódicas, nostalgicas y profundas. La interior de Joe Elliott es magistral. Me atrevo a decir que es su mejor trabajo con las baladas hasta ese entonces. Un disco que no es álbum pero si lo fue en cierta forma. Un disco que trascendió hasta ahora por estar prácticamente despidiendo a la era glam y dando paso a la música con sonido espeso y oscuro del rock alternativo que estaba en boga y que muchos grungers amaban a morir. La última huella a manera de homenaje al genial compositor y guitarrista Steve Clark el cerebro creativo de esta mítica banda que ahora está sumida en el olvido. La producción es impecable, la grabación hermosa y la portada al estilo de Magritte con el tocador que da la imagen de una calavera a lo lejos. De las mejores y altamente reconocible hasta hoy. El disco contiene 14 canciones de las cuales destacan: “Desert Sony”, “Fractured love”, “Two steps behind”, “She’s too tough”, “Ring of fire” y “I wanna be your hero”. El disco salió a la venta el 3 de octubre de 1993 bajo el sello de Bludgeon Riffola/Mercury/Polygram records.

Calificación: 9 de 10 puntos

DREAM THEATER – IMAGES AND WORDS – 1992

 

DREAM THEATER – IMAGES AND WORDS – 1992

 

Así como 1992 fue el año de transición musical, también fue el año en el que prácticamente vio la luz el nacimiento de lo que hoy se conoce como metal progresivo. Tal vez ya existía con el anterior trabajo de estos chamacos, pero le terminaron por dar forma a un sonido que había surgido con bandas como Rush, de la que tiene clara influencia, Genesis en sus primeros años o King Crimson. Estos sonidos fueron mezclados con el heavy metal y tenemos esta mezcla genial que a muchos ha vuelto locos y ha hecho que proliferen bandas con sonidos muy similares basados en esta escuela llamada Dream Theater. En este trabajo tenemos la entrada del nuevo vocalista de la extinta banda de glam Winter rose, aunque también se sabe que estuvo un tiempo al frente de la banda de AOR, Coney Hatch. En este trabajo su voz destaca mucho por el feeling que le metió a los temas y su asombrosa capacidad de cantar a registros bastante altos, emulando mucho a Geddy Lee por momentos. El guitarrista John Petrucci fue el pionero en crear un estilo basado en shredding mezclado con elementos del jazz, algo que no había sido escuchado por esos años, así que fue novedoso, dándole una estructura a lo dejado por el guitarrista de Rush, Alex Lifeson. Igual de asombroso fue el baterisa Mike Portnoy quien destacó mucho su habilidad con los tambores y el doble pedal, llevando el estilo de Neil Peart un paso más allá, aunque jamás pudo igualar a este legendario baterista. El teclado de Kevin Moore es simplemente brutal y, lo que menos destaca es el bajeo de John Myung que tiene bien puesto su estilo, pero, al menos no trató de copiar al buen Geddy Lee. Un disco que en su momento no fue entendido, no fue comprendido, incluso muchos lo despreciaron ya que se trataba de algo novedoso, pero el éxito llegaría con la comercial “Pull me under” y luego con el tema “Die another day” al más pjuro estilo de las baladas más melosas que rondaban en esos años con las bandas post glam. Un disco que revolucionó la música perfeccionando un estilo de metal, un nuevo género en el cual siguen hasta hoy siendo los maestros en lo que hacen (Recordemos que Rush no se considera metal, hasta donde sé) y queda demostrado en este disco cargado tanto de técnica como de maestría en ejecución instrumental, melodía y producción de muy alto nivel para la época, perfecta grabación y una portada que es memorable y reconocible perfectamente hasta hoy. El disco contiene 8 canciones de las cuales destacan: ¡TODAS! El disco salió a la venta el 7 de julio de 1992 bajo el sello de ATCO records.

 

Calificación: 10 de 10 puntos.

TESTAMENT – THE RITUAL – 1992

TESTAMENT – THE RITUAL – 1992

Con una portada semejante a un mandala pentagonal, tenemos el quinto trabajo de esta banda de thrash que vivió a la sombra de Metallica según los especialistas dicen. Después de que está banda había ralentizado su sonido hacia algo más comercial, bandas de este género hicieron lo propio y estos chamacos no se iban a quedar atrás pues la tendencia en esos años era o hacer algo parecido al black álbum por las bandas thrash o se iban hacia el grunge como hicieron algunas bandas glam. Cómo sea este trabajo de Testament no es precisamente lo mejor que han hecho pero es un disco que tiene varios temas que son clásicos y un referente para la generación de esos años que buscaban aprender a tocar la guitarra trabajando los bestiales solos de Alex Skolnick aunados a los riffs de Eric Peterson que realmente le dieron un extra a la música de estos chamacos. Un disco que en su momento no fue muy bien recibido pero después de darle algunas escuchadas se le dio una oportunidad. Se fueron a un heavy metal más espeso donde las guitarras suenan muy diferentes, no se fueron por copiar lo que hizo Metallica y pues les dio un sonido diferente. Si no fuera por la áspera voz de Chuck Billy podría ser el disco de otra banda y hubiera pasado desapercibido sin más. Un disco que marcó la posterior salida de Luie Clemente y el propio Skolnick después del fracaso que representó para ellos el que podría ser el peor disco de su carrera y dogo podría porque después de 28 años de alguna manera representó el cambio de sonido que después sería reinventado en el siguiente trabajo “Low” (1994). Lo interesante es que Chuck Billy pudo interpretar muy bien los temas, una gran sorpresa ver qué pudo entonarse muy bien, especialmente en la balada “Return to serenity”. La producción es muy buena, la grabación es estupenda y la portada del mandala es icónica e inigualable y reconocible hasta hoy. Un trabajo interesante para los que no conocieron está llamada etapa de transición musical que se dio a inicios de la década de los 90. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Sign of chaos”, “Electric crown”, “Let go of my world”, “Agony”, “Return to serenity” y “Troubled dreams”. El disco salió a la venta el 15 de mayo de 1992 bajo el sello de Atlantic records. 

Calificación: 8 de 10 puntos

DEF LEPPARD – ADRENALIZE – 1992

DEF LEPPARD – ADRENALIZE – 1992

Seguimos con las reseñas de los discos más importantes del año de la transición que fue 1992 ya que fue aquí donde muchas bandas cambiaron de dirección musical para competir contra los embates de la era grunge y el metal alternativo que ya estaba empezando a dar muestras de vida en esos años y donde estaban arrasando con la música rock tal y como se le conoció en ese entonces, sepultando prácticamente a la era glam. No fue el caso de la banda que le dio forma a la segunda etapa del glam metal, refiriéndome por supuesto a los míticos Def Leppard quienes después de la pérdida de su cerebro y compositor principal, el guitarrista Steve Clark, se atrasó su disco por cinco años en lo que esta banda salía de sus problemas y situaciones con drogas, especialmente. Posteriormente Clark fue reemplazado con el no menos genial Vivian Campbell proveniente de DIO y de Whitesnake quien les inyectó nueva gasolina a estos chamacos. Este material prácticamente clona el sonido de su antecesor, “Hysteria” (1987) siguiendo la misma estructura compositiva, así como de los arreglos, aunque la presencia en las composiciones de Clark sigue presente. Phil Collen se encargó de grabar todos los riffs tal cual los escribió su compañero, así como los solos y es donde este tipo demostró tener el nivel necesario para sacar adelante el sonido de Def. Lo bueno de este disco es que no siguieron la tendencia hacia los sonidos oscuros y densos del grunge como hicieron muchas bandas similares y decidieron mantenerse fieles a su estilo, aunque, repito, es una copia fotostática de su disco predecesor. En sí los temas son muy buenos, nada innovadores, bien trabajados, muy pulidos, temas pegadizos y baladas impresionantes que, la verdad Def Leppard se las pinta solo. Un disco que en su momento no fue un boom, pero dio gusto ver que tenían intenciones de salir adelante y que mejor que con este ejemplo en el que ellos no estaban dispuestos, hasta ese momento, de dejarse llevar por los nuevos sonidos. La producción es excelente, la portada un poco más simple pero igual excelente y la grabación es perfecta, no escatimaron recursos para esto. El disco contiene 10 canciones de las cuales destacan: “Let’s get rocked”, “Heaven is”, “Tonight”, “Stand up (Kick love into motion)”, “Have you ever needed someone so bad” y “Tear it down”. El disco salió a la venta el 30 de marzo de 1992 bajo el sello de Mercury/Polygram records.

Calificación: 8 de 10 puntos.

WARRANT – DOG EAT DOG – 1992

WARRANT – DOG EAT DOG – 1992

Y tenemos por aquí el tercer trabajo de esta banda de Los Angeles, Gringolandia, Warrant, una excelente banda de la era glam quienes legaron dos excelentes trabajos como lo fueron el “Dirty, rotten, filthy, stinking rich” (1988) y el “Cherrie pie” (1990). Hasta hace poco el primer disco fue considerado lo mejor de ellos, pero después de escuchar este trabajo, definitivamente estos chamacos ya estaban en un buen camino hacia evolucionar en la nueva ruta del glam metal de principios d ellos noventas que ya estaba siendo opacado por el movimiento grunge. Prácticamente copiaron algunos riffs basados en los tonos sincopados de bandas como Soundgarden. Aun así, los riffs suenan demoledores, la guitarra fue bajada un tono y en verdad, Jani Lani, su cantante, que en paz descanse, desempeñó un muy buen trabajo vocal con este trabajo. No hay ninguna queja. Las baladas suenan muy sobria, muy melódicas y un tanto más complejas. Definitivamente estaban ¡yendo muy bien con este disco que mantuvo un sonido más crudo con las guitarras, pero a la vez se quedó con su esencia glam que caracteriza a esta gran banda. La producción es excelente, la grabación muy buena y la portada es bastante abstracta y se ha transformado en un clásico de las portadas muy identificable. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Machine gun”, “The hole in my wall”, “Andy Warhol was right”, “The bitter pill”, “All my bridges are burning”, “Leti t rain”, “Inside out” y “Sad Theresa”. El disco salió a la venta el 25 de agosto de 1992 bajo el sello de Columbia records.

Calificación: 9 de 10 puntos. 

Y tenemos por aquí el tercer trabajo de esta banda de Los Angeles, Gringolandia, Warrant, una excelente banda de la era glam quienes legaron dos excelentes trabajos como lo fueron el “Dirty, rotten, filthy, stinking rich” (1988) y el “Cherrie pie” (1990). Hasta hace poco el primer disco fue considerado lo mejor de ellos, pero después de escuchar este trabajo, definitivamente estos chamacos ya estaban en un buen camino hacia evolucionar en la nueva ruta del glam metal de principios d ellos noventas que ya estaba siendo opacado por el movimiento grunge. Prácticamente copiaron algunos riffs basados en los tonos sincopados de bandas como Soundgarden. Aun así, los riffs suenan demoledores, la guitarra fue bajada un tono y en verdad, Jani Lani, su cantante, que en paz descanse, desempeñó un muy buen trabajo vocal con este trabajo. No hay ninguna queja. Las baladas suenan muy sobria, muy melódicas y un tanto más complejas. Definitivamente estaban ¡yendo muy bien con este disco que mantuvo un sonido más crudo con las guitarras, pero a la vez se quedó con su esencia glam que caracteriza a esta gran banda. La producción es excelente, la grabación muy buena y la portada es bastante abstracta y se ha transformado en un clásico de las portadas muy identificable. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Machine gun”, “The hole in my wall”, “Andy Warhol was right”, “The bitter pill”, “All my bridges are burning”, “Leti t rain”, “Inside out” y “Sad Theresa”. El disco salió a la venta el 25 de agosto de 1992 bajo el sello de Columbia records.

Calificación: 9 de 10 puntos.