MOTÖRHEAD – BASTARDS – 1993

 

MOTÖRHEAD – BASTARDS – 1993

 

Y tenemos por aquí el disco número once de esta legendaria banda que contribuyó a definir el modelo a seguir para el metal extremo y definitivamente fueron uno de los precursores del llamado movimiento de la New wave Of British Heavy Metal (NWOBHM). Después de su anterior “March or die” (1992) y la salida de su baterista Philty Animal, en este disco tenemos el ingreso ya formal de Mickey Dee quien le dio a esta banda un nuevo empuje ya que este señor tiene unas capacidades geniales para con el instrumento, lo que le permitió a Motörhead resurgir como la banda que es. En este caso las guitarras y los riffs suenan con una caña inusitada, arañando por momentos el thrash metal. Un regresar a su sonido clásico, pero con más potencia, dejando un disco que ha sido memorable hasta hoy y que, en los últimos años de existencia, se estuvieron tocando muchas de las canciones en los conciertos y que ahora son los nuevos clásicos. Es genial que en medio de la era grunge de esos años se hayan grabado discos tremendos como éste, que no se dejaron llevar por la tendencia musical de la época, y es que esto paso porque tuvieron que cambiar de sello disquero. Un trabajo firme aguerrido y poderosos que en su tiempo nos hizo mover la cabeza a gusto y que colocó a Motörhead como una banda sumamente importante en una época en la que el grunge reinaba y no existía otra cosa más que éste. La producción es excelente, la grabación es potente de veras y la portada, muy sencilla pero contundente. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “On your feet or on your knees”, “Burner”, “I am the sword”, “Death or glory”, “Bad woman”, “Liar”, “We bring the shake” y “Devils”.  El disco salió a la venta el 29de noviembre de 1993 bajo el sello de XYZ records.

 

Calificación: 9 de 10 puntos.

MOTÖRHEAD – MARCH OR DIE – 1992

MOTÖRHEAD – MARCH OR DIE – 1992

Para mi modo de ver este fue el último disco con el sonido clásico de Motörhead antes de irse posteriormente hacia un sonido más potente y más agresivo como hicieron en el posterior “Bastards” (1993), del que hablaremos en una siguiente entrega. Por lo pronto estamos ante un disco bastante accidentado ya que Phillip John Taylor alias “Philty Animal” si baterista, ya había dejado la banda en 1991. Para este trabajo Lemmy Kilmister conto con la presencia de Mikey Dee, Tommy Aldridge y el propio Philty que apenas grabó una canción con ellos. Igual se contó con la colaboración de Slash y Ozzy Osbourne en el tema “I ain’t no Nice guy” casualme tocada también por Philty Animal. Un disco que no es lo mejor de Motörhead, pero tiene los elementos para decirse que tiene mucho de su esencia, en el que la llegada de la era grunge no los saco de su rollo y, aunque fue un disco que pasó desapercibido para mí desde esos años, no desmerece que estuvieron haciendo su lucha para sobrevivir en una época ya bastante difícil para el rock clásico como se le conoció antes. La producción es aceptable, la grabación igual es buena pero le faltó trabajarse más y la portada muy simple. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Stand”, “Bad religion”, “Jack the ripper”, “I ain’t no nice guy”, “Asylum choir”, “You better run” y “Name in vain”. El disco salió a la venta el 14 de agosto de 1992 bajo el sello de Epic records.

Calificación: 7 de 10 puntos

IRON MAIDEN – THE X FACTOR – 1995

 

IRON MAIDEN – THE X FACTOR – 1995 

En esta década de los años 90 solo habían dos opciones: renovarse o morir y definitivamente esto le iba a pasar a la doncella de hierro después de la salida de su cantante Bruce Dickinson por diferencias creativas y no se que rollos más. Ahora con la entrada del ex Wolfsbane, Blaze Bayley, todo parecía que iba a cambiar y así fue. A Steve Harris no le quedó de otra que llevara a su banda hacia otra dirección y es que esto lo consiguió gracias a los fuertes coqueteos con el rock progresivo que vimos en discos como el “Seventh son of a seventh son” (1998) y a las ganas de hacer una canción larga, como fue “The sign of the cross” hasta ese entonces, la segunda más larga después de “Rhyme of the ancient mariner” de su disco “Powerslave” (1984), lo cual me queda claro ya que al componer este tema hicieron alusión a la novela “El nombre de la rosa”. Las guitarras fueron reestructuradas desde cero, logrando unos riffs más centrados, un tanto más pesados, ya no escuchamos las armonías características de la era de Adrian Smith - aunque ya se supo que no fue él el de la idea de armonizar con terceras sino de Dennis Stratton – y cuyo sonido explotaron hasta su salida, dejando a esta banda en una deriva que los llevó a reducir su capacidad compositiva al mínimo, lo cual fue resanado perfectamente en este material, el décimo de su carrera. Hicieron un disco de buena calidad, con canciones adaptadas a la voz más grave y de un timbre más sombrío de su nuevo cantante lo cual le dio a la banda en sí un sonido bastante más oscuro y destino a lo que hicieron en sus discos anteriores. Estructura musical que siguen usando hasta hoy. Solos bestiales, temas muy lentos en sus introducciones la mayoría con pasajes acústicos o semi acústicos (como burla a Bruce que quería hacer algo así), una batería de Nicko McBrain que suena salvaje, muy realista el sonido y sin filtrar, temas muy sobrios y mucha madurez musical, haciendo un disco bastante asombroso que con el pasar de los años se escucha desde una óptica diferente lo que nos hace analizar que en su momento no se le dio la oportunidad a Blaze Bayley de consolidarse como el nuevo frontman de la banda gracias a las mentes cerradas de muchos disque metaleros de ese entonces que odiábamos a muerte al movimiento grunge de esos años. Un trabajo que sigue siendo espectacular después de 25 años de haberse grabado y que sienta el inicio de unos cambios en esta banda que ya le hacían falta si no es que iban a acabar como muchas más de ese entonces. La producción es excelente, la grabación es magistral, todos los detalles cuidados al máximo y la portada es increíble, el ver sentado a Eddie Maiden en la silla eléctrica. El disco contine 11 canciones de las cuales destacan: “Signo of the cross”, “Lord of the flies”, “Man on the edge”, “Fortunes of war”, “the aftermath”, “Judgement of heaven”, “The Edge of darkness” y “The unbeliever”. El disco salió a la venta el 2 de octubre de 1995 bajo el sello de EMI records.

 

Calificación: 8 de 10 puntos.

METALLICA – 1991

METALLICA – 1991

Uno de los discos que no debieron existir y sin embargo existen, fue este. Así como el grunge mato al glam/hard rock/heavy metal, el llamado “Black álbum” de Metallica, casi mató al thrash metal. Un disco que de alguna manera orilló a muchas bandas a buscar un sonido más espeso que el que propusieron estos chamacos en su tiempo gracias a la producción de Bob Rock a quien contrataron después de que Lars Ulrich, escuchara el álbum de Mötley Crüe, “Dr. Feelgood” (1989) y le asombrara la forma como sonaba la batería de Tommy Lee y la guitarra muy espesa de Mick Mars. Una historia que cambiaría el rumbo de la música. Ya estos chamacos estaban entrando a sus treinta años y tenían ganas de dejar atrás el vertiginoso sonido de sus años mozos y experimentar con algo que en su momento sería repudiado y hasta hoy, más. Siguiendo la tendencia musical de ese entonces, que fue impuesta por el glam metal, querían grabar un disco con temas más simples, con guitarras más espesas, una batería mejorada y un par de baladas por ahí. Algo impensable pero que ya arañaban con la canción “Fade to black” de su disco “Ride the lightning” (1984) y que les hizo ganar un buen número de detractores. El disco en sí no es malo. Después de 29 años de volverlo a escuchar con más detenimiento, se percibe que se hizo un buen trabajo en todos los sentidos. Todos los músicos optaron más por la melodía sin perder su espíritu fiero de hacer metal y, al menos, lo sostuvieron. Un disco que en lo personal no me fue indiferente. Era yo un adolescente cuando lo escuché y aunque conocía poco de Metallica, tengo que admitir que me impresionó en ese momento. Fue gracias a este disco que nació mi interés de aprender a tocar la guitarra eléctrica (Interés que se terminó de consolidar con el “Rust in peace” (1990) de Megadeth). Un trabajo que tiene feeling, intensidad, destaca el trabajo vocal de James Hetfield y que gracias a él se creó la categoría de mejor guitarra rítmica, dejando atrás a Malcom Young de AC/DC, donde Kirk Hammet mantuvo su esencia como guitarrista experimentando con cosas más ajenas a lo que solía hacer, Lars Tocando como baterista “normal” y la entrada de Jason Newsted en el bajo que finalmente si se le escuchaba. Todo conjugado con un sonido innovador, especialmente en los riffs que sonaban densos, espesos, potentes a pesar de la ralentización, con un sonido que desde los años de Black Sabbath no se escuchaban y que llevaron al metal hacia una audiencia más generalizada. Si esto fue para bien o para mal, fue un sonido que revolucionó el concepto de metal en ese entonces y hasta hoy, se sigue percibiendo su legado, sobre todo en los músicos jóvenes que se interesan en aprender algún instrumento y toman algunas canciones como punto de referencia y como influencia musical. Un disco interesante, que ha resistido el paso del tiempo, que no se dejó doblegar por el sonido grunge y que sentó la base primordial del llamado posteriormente Groove metal, que tomó la afinación de las guitarras de la canción “Sad but true”. La producción es fenomenal, la grabación muy innovadora para su tiempo y la portada es una enorme mancha negra con un Metallica atenuado y una víbora enroscada casi imperceptible. El disco contiene 12 cancniones de las cuales destacan: “enter sandman”, “Sad but true”, “The unforgiven”, “Wherever I may roam”, “Through the never”, “Nothing else matters” y “My friend of misery” (la mejor del disco para mi gusto personal). El disco salió a la venta el 12 de agosto de 1991 bajo el sello de Elektra records.

 

Calificación: 8 de 10 puntos.

STEELHEART – TANGLED IN REINS – 1992

 

STEELHEART – TANGLED IN REINS – 1992

 

Sin duda esta banda sentó un muy buen ejemplo de lo que es hacer buen glam de alto nivel y gran calidad aunado a excelentes canciones tal y como lo demostraron en su anterior disco “Steelheart” (1990) donde destacaron excelentes canciones y sobre todo la genial voz de Miljenko Matlijevic quien es una de las mejores voces del glam metal alcanzando timbres muy altos que dejan fríos a Sebastian Bach o a Axl rose. De todos modos, esta es una gran banda que tenía de todo para seguir evolucionando y que mejor que en este trabajo en el que se les oye mucho mejor acoplados y ensayados, donde los temas y los riffs de guitarra son tremendos, con este sorprendente disco en el que no perdonan nada. Donde despliegan su talento a todo lo que da, pero con mejor escuela, con mejor nitidez y sobre todo con excelentes ejecuciones. Una balada que supera a la melosa “I’ll never let you go” de su anterior trabajo, un material que se escucha de principio a fin en el tiempo exacto y con los temas perfectamente bien estructurados y cuajados. Para mi modo de ver y escuchar, el mejor disco de Steelheart. Es una pena que con la llegada de la era grunge estos trabajos fenomenales se hayan quedado arrumbados en un rincón, sobre todo porque estas bandas estaban ya en el camino de perfeccionar su sonido para darle a la era post glam el toque final necesario para consolidarse como un género muy importante dentro del ancho mundo del metal. La producción es de primera para la época, la grabación es excelente y la portada muy buena la verdad. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Loaded mutha”, “Sticky side up”, “Late for the party”, “Love’em and I’m gone”, “Take me back home”, “mama don’t you cry” y “Dancin’ in the fire”. El disco Salió a la venta el 10 de julio de 1992 bajo el sello de MCA records.

 

Calificación: 10 de 10 puntos.

HELLOWEEN - MASTER OF THE RINGS – 1994

 

HELLOWEEN - MASTER OF THE RINGS – 1994

 

Sin duda este disco marcó el final y el principio de una era de esta banda ya que llevaba sobre sus espaldas el fallecimiento de su baterista Ingo Schwitchtemberg y la funesta salida de Michael Kiske quien quiso hacerse al divo con Michael Weikath y le salió mal. A lo mejor su estilo vocal no encajaba con este disco o a lo mejor sí, pero sí hacía falta un cambio de dirección en el sonido y en el estilo vocal y de la banda Pink 69, tuvo que llegar el señor Andi Deris y el ex baterista de Gamma Ray Uli Kusch. De plano estos dos le inyectaron nueva energía a esta banda y con un poco más de libertad creativa al guitarrista Roland Grapow, le dieron una nueva cara y un nuevo sonido a estos chamacos que nuevamente reinventaron ese power metal que crearon hacía años atrás con un sonido más rasposo gracias a las guitarras Gibson y actualizado a esa década noventera llena de sonidos grunge por todas partes y que llevaron a muchas bandas a cambiar su dirección o a desaparecer con los fracasos que esto traía consigo. Afortunadamente, no paso esto con ellos. Un disco que si bien no es lo mejor de Helloween llevó a muchos fans a cuestionar su estaba bien lo que hacían en ese entonces. Un disco que superó a los dos anteriores, pero no tenía aún el empuje necesario para que se pueda decir que valió la pena el cambio. Fue difícil adaptarse al cambio, sobre todo por la costumbre que había con la voz de Kiske quien también de fue por el rollo cristiano y lo hizo dejarlos. Se percibía que la música tenía para más y lo sabían, por eso pulieron más sus composiciones. Con todo, el disco es muy bueno, tiene canciones muy buenas unas y muy malas otras mas las intenciones de no dejarse intimidar por una audiencia difícil estaban muy firmes y con muchas ganas de arrasar intentando recuperar los fans que perdieron tras los “Keepers” y generar a nuevos. Un trabajo bien producido, bien hecho, con composiciones bastante más potentes, muy buena producción donde destaca mucho el feroz sonido y las evoluciones con el instrumento de Uli Kusch quien es uno de los mejores bateristas del mundo. La portada en alusión a la novela de J.R.R. Tolkien es muy sencilla y elocuente. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Sole survivor”, “where the rain grows”, “Why?”, “Perfect gentleman”, “the game i son”, “Secret alibi” e “In the middle of a heartbeat”. La edición limitada en digipack contiene un disco en el que vienen canciones que no salieron en el disco. El disco salió a la bemnta el 8 de julio de 1994 bajo el sello de Castle Communications records.

 

Calificación: 7 de 10 puntos.

DEF LEPPARD – RETRO ACTIVE – 1993

 

DEF LEPPARD – RETRO ACTIVE – 1993

Aunque no es considerado dentro de los álbumes principales de esta banda, podría decirse que si lo fue en cierta forma ya que representó un camino hacia lo estaba por llamarse la evolución de Def Leppard hacia la década que empezaba de los años noventa. Este disco aunque cargado de temas reciclados y sobrantes de sus anteriores discos marca el final de la era de esta genial banda como se le conoció en los años ochenta e inicio su transición hacia una caída en picada que tres años más tarde se diera con el fatídico “Slang” (1996) y ahí hasta abajo que les costó su permanencia en su sello disquero. Un disco de auto covers a excepción de Action de la banda Sweet, y que curiosamente muchos de la era juvenil de ese momento atribuyó que era una canción propia de ellos, algo parecido a Cum on feel the noise con Quiet Riot de la banda Slade. Un disco con una producción que enfatizó el sonido de Def modernizandolo pero sin perder su escencia, una batería que sonaba genial a pesar de ser electrónica, temas muy buenos que inexplicablemente no aparecieron en sus discos anteriores y versiones raras de los temas nuevos. Aquí escuchamos las últimas grandes baladas de hard rock melódicas, nostalgicas y profundas. La interior de Joe Elliott es magistral. Me atrevo a decir que es su mejor trabajo con las baladas hasta ese entonces. Un disco que no es álbum pero si lo fue en cierta forma. Un disco que trascendió hasta ahora por estar prácticamente despidiendo a la era glam y dando paso a la música con sonido espeso y oscuro del rock alternativo que estaba en boga y que muchos grungers amaban a morir. La última huella a manera de homenaje al genial compositor y guitarrista Steve Clark el cerebro creativo de esta mítica banda que ahora está sumida en el olvido. La producción es impecable, la grabación hermosa y la portada al estilo de Magritte con el tocador que da la imagen de una calavera a lo lejos. De las mejores y altamente reconocible hasta hoy. El disco contiene 14 canciones de las cuales destacan: “Desert Sony”, “Fractured love”, “Two steps behind”, “She’s too tough”, “Ring of fire” y “I wanna be your hero”. El disco salió a la venta el 3 de octubre de 1993 bajo el sello de Bludgeon Riffola/Mercury/Polygram records.

Calificación: 9 de 10 puntos

DREAM THEATER – IMAGES AND WORDS – 1992

 

DREAM THEATER – IMAGES AND WORDS – 1992

 

Así como 1992 fue el año de transición musical, también fue el año en el que prácticamente vio la luz el nacimiento de lo que hoy se conoce como metal progresivo. Tal vez ya existía con el anterior trabajo de estos chamacos, pero le terminaron por dar forma a un sonido que había surgido con bandas como Rush, de la que tiene clara influencia, Genesis en sus primeros años o King Crimson. Estos sonidos fueron mezclados con el heavy metal y tenemos esta mezcla genial que a muchos ha vuelto locos y ha hecho que proliferen bandas con sonidos muy similares basados en esta escuela llamada Dream Theater. En este trabajo tenemos la entrada del nuevo vocalista de la extinta banda de glam Winter rose, aunque también se sabe que estuvo un tiempo al frente de la banda de AOR, Coney Hatch. En este trabajo su voz destaca mucho por el feeling que le metió a los temas y su asombrosa capacidad de cantar a registros bastante altos, emulando mucho a Geddy Lee por momentos. El guitarrista John Petrucci fue el pionero en crear un estilo basado en shredding mezclado con elementos del jazz, algo que no había sido escuchado por esos años, así que fue novedoso, dándole una estructura a lo dejado por el guitarrista de Rush, Alex Lifeson. Igual de asombroso fue el baterisa Mike Portnoy quien destacó mucho su habilidad con los tambores y el doble pedal, llevando el estilo de Neil Peart un paso más allá, aunque jamás pudo igualar a este legendario baterista. El teclado de Kevin Moore es simplemente brutal y, lo que menos destaca es el bajeo de John Myung que tiene bien puesto su estilo, pero, al menos no trató de copiar al buen Geddy Lee. Un disco que en su momento no fue entendido, no fue comprendido, incluso muchos lo despreciaron ya que se trataba de algo novedoso, pero el éxito llegaría con la comercial “Pull me under” y luego con el tema “Die another day” al más pjuro estilo de las baladas más melosas que rondaban en esos años con las bandas post glam. Un disco que revolucionó la música perfeccionando un estilo de metal, un nuevo género en el cual siguen hasta hoy siendo los maestros en lo que hacen (Recordemos que Rush no se considera metal, hasta donde sé) y queda demostrado en este disco cargado tanto de técnica como de maestría en ejecución instrumental, melodía y producción de muy alto nivel para la época, perfecta grabación y una portada que es memorable y reconocible perfectamente hasta hoy. El disco contiene 8 canciones de las cuales destacan: ¡TODAS! El disco salió a la venta el 7 de julio de 1992 bajo el sello de ATCO records.

 

Calificación: 10 de 10 puntos.

TESTAMENT – THE RITUAL – 1992

TESTAMENT – THE RITUAL – 1992

Con una portada semejante a un mandala pentagonal, tenemos el quinto trabajo de esta banda de thrash que vivió a la sombra de Metallica según los especialistas dicen. Después de que está banda había ralentizado su sonido hacia algo más comercial, bandas de este género hicieron lo propio y estos chamacos no se iban a quedar atrás pues la tendencia en esos años era o hacer algo parecido al black álbum por las bandas thrash o se iban hacia el grunge como hicieron algunas bandas glam. Cómo sea este trabajo de Testament no es precisamente lo mejor que han hecho pero es un disco que tiene varios temas que son clásicos y un referente para la generación de esos años que buscaban aprender a tocar la guitarra trabajando los bestiales solos de Alex Skolnick aunados a los riffs de Eric Peterson que realmente le dieron un extra a la música de estos chamacos. Un disco que en su momento no fue muy bien recibido pero después de darle algunas escuchadas se le dio una oportunidad. Se fueron a un heavy metal más espeso donde las guitarras suenan muy diferentes, no se fueron por copiar lo que hizo Metallica y pues les dio un sonido diferente. Si no fuera por la áspera voz de Chuck Billy podría ser el disco de otra banda y hubiera pasado desapercibido sin más. Un disco que marcó la posterior salida de Luie Clemente y el propio Skolnick después del fracaso que representó para ellos el que podría ser el peor disco de su carrera y dogo podría porque después de 28 años de alguna manera representó el cambio de sonido que después sería reinventado en el siguiente trabajo “Low” (1994). Lo interesante es que Chuck Billy pudo interpretar muy bien los temas, una gran sorpresa ver qué pudo entonarse muy bien, especialmente en la balada “Return to serenity”. La producción es muy buena, la grabación es estupenda y la portada del mandala es icónica e inigualable y reconocible hasta hoy. Un trabajo interesante para los que no conocieron está llamada etapa de transición musical que se dio a inicios de la década de los 90. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Sign of chaos”, “Electric crown”, “Let go of my world”, “Agony”, “Return to serenity” y “Troubled dreams”. El disco salió a la venta el 15 de mayo de 1992 bajo el sello de Atlantic records. 

Calificación: 8 de 10 puntos

DEF LEPPARD – ADRENALIZE – 1992

DEF LEPPARD – ADRENALIZE – 1992

Seguimos con las reseñas de los discos más importantes del año de la transición que fue 1992 ya que fue aquí donde muchas bandas cambiaron de dirección musical para competir contra los embates de la era grunge y el metal alternativo que ya estaba empezando a dar muestras de vida en esos años y donde estaban arrasando con la música rock tal y como se le conoció en ese entonces, sepultando prácticamente a la era glam. No fue el caso de la banda que le dio forma a la segunda etapa del glam metal, refiriéndome por supuesto a los míticos Def Leppard quienes después de la pérdida de su cerebro y compositor principal, el guitarrista Steve Clark, se atrasó su disco por cinco años en lo que esta banda salía de sus problemas y situaciones con drogas, especialmente. Posteriormente Clark fue reemplazado con el no menos genial Vivian Campbell proveniente de DIO y de Whitesnake quien les inyectó nueva gasolina a estos chamacos. Este material prácticamente clona el sonido de su antecesor, “Hysteria” (1987) siguiendo la misma estructura compositiva, así como de los arreglos, aunque la presencia en las composiciones de Clark sigue presente. Phil Collen se encargó de grabar todos los riffs tal cual los escribió su compañero, así como los solos y es donde este tipo demostró tener el nivel necesario para sacar adelante el sonido de Def. Lo bueno de este disco es que no siguieron la tendencia hacia los sonidos oscuros y densos del grunge como hicieron muchas bandas similares y decidieron mantenerse fieles a su estilo, aunque, repito, es una copia fotostática de su disco predecesor. En sí los temas son muy buenos, nada innovadores, bien trabajados, muy pulidos, temas pegadizos y baladas impresionantes que, la verdad Def Leppard se las pinta solo. Un disco que en su momento no fue un boom, pero dio gusto ver que tenían intenciones de salir adelante y que mejor que con este ejemplo en el que ellos no estaban dispuestos, hasta ese momento, de dejarse llevar por los nuevos sonidos. La producción es excelente, la portada un poco más simple pero igual excelente y la grabación es perfecta, no escatimaron recursos para esto. El disco contiene 10 canciones de las cuales destacan: “Let’s get rocked”, “Heaven is”, “Tonight”, “Stand up (Kick love into motion)”, “Have you ever needed someone so bad” y “Tear it down”. El disco salió a la venta el 30 de marzo de 1992 bajo el sello de Mercury/Polygram records.

Calificación: 8 de 10 puntos.

WARRANT – DOG EAT DOG – 1992

WARRANT – DOG EAT DOG – 1992

Y tenemos por aquí el tercer trabajo de esta banda de Los Angeles, Gringolandia, Warrant, una excelente banda de la era glam quienes legaron dos excelentes trabajos como lo fueron el “Dirty, rotten, filthy, stinking rich” (1988) y el “Cherrie pie” (1990). Hasta hace poco el primer disco fue considerado lo mejor de ellos, pero después de escuchar este trabajo, definitivamente estos chamacos ya estaban en un buen camino hacia evolucionar en la nueva ruta del glam metal de principios d ellos noventas que ya estaba siendo opacado por el movimiento grunge. Prácticamente copiaron algunos riffs basados en los tonos sincopados de bandas como Soundgarden. Aun así, los riffs suenan demoledores, la guitarra fue bajada un tono y en verdad, Jani Lani, su cantante, que en paz descanse, desempeñó un muy buen trabajo vocal con este trabajo. No hay ninguna queja. Las baladas suenan muy sobria, muy melódicas y un tanto más complejas. Definitivamente estaban ¡yendo muy bien con este disco que mantuvo un sonido más crudo con las guitarras, pero a la vez se quedó con su esencia glam que caracteriza a esta gran banda. La producción es excelente, la grabación muy buena y la portada es bastante abstracta y se ha transformado en un clásico de las portadas muy identificable. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Machine gun”, “The hole in my wall”, “Andy Warhol was right”, “The bitter pill”, “All my bridges are burning”, “Leti t rain”, “Inside out” y “Sad Theresa”. El disco salió a la venta el 25 de agosto de 1992 bajo el sello de Columbia records.

Calificación: 9 de 10 puntos. 

Y tenemos por aquí el tercer trabajo de esta banda de Los Angeles, Gringolandia, Warrant, una excelente banda de la era glam quienes legaron dos excelentes trabajos como lo fueron el “Dirty, rotten, filthy, stinking rich” (1988) y el “Cherrie pie” (1990). Hasta hace poco el primer disco fue considerado lo mejor de ellos, pero después de escuchar este trabajo, definitivamente estos chamacos ya estaban en un buen camino hacia evolucionar en la nueva ruta del glam metal de principios d ellos noventas que ya estaba siendo opacado por el movimiento grunge. Prácticamente copiaron algunos riffs basados en los tonos sincopados de bandas como Soundgarden. Aun así, los riffs suenan demoledores, la guitarra fue bajada un tono y en verdad, Jani Lani, su cantante, que en paz descanse, desempeñó un muy buen trabajo vocal con este trabajo. No hay ninguna queja. Las baladas suenan muy sobria, muy melódicas y un tanto más complejas. Definitivamente estaban ¡yendo muy bien con este disco que mantuvo un sonido más crudo con las guitarras, pero a la vez se quedó con su esencia glam que caracteriza a esta gran banda. La producción es excelente, la grabación muy buena y la portada es bastante abstracta y se ha transformado en un clásico de las portadas muy identificable. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Machine gun”, “The hole in my wall”, “Andy Warhol was right”, “The bitter pill”, “All my bridges are burning”, “Leti t rain”, “Inside out” y “Sad Theresa”. El disco salió a la venta el 25 de agosto de 1992 bajo el sello de Columbia records.

Calificación: 9 de 10 puntos.

EXTREME – III SIDES TO EVERY STORY – 1992

EXTREME – III SIDES TO EVERY STORY – 1992

He aquí para mi modo de ver, una de las mejores bandas de la era post glam de finales de los años 80 y principios de los 90 en las que su sonido oscilaba entre lo comercial y lo trendie dentro del mundo del glam metal de esos años. Desde su primer disco uno se da cuenta de que tienen algo más, de que son algo más y que de alguna manera han sido subestimados llevándolos a hacer música de buen nivel, aunque sea comercial. De alguna forma procuraron en este tercer disco salirse bastante de los sonidos de sus tres discos anteriores y se fueron hacia un trabajo muy maduro, muy personal, muy conceptual, rayando bastante entre el rock progresivo, pero de una forma exquisita. Sin duda todo ellos gozan de un talento inaudito y bien que lo saben trabajar. En este trabajo fueron un paso más allá grabando el mejor álbum de sus carreras y estaban conscientes de ello, pues las cancjo9nes son excelentes, donde las dos primeras abren con temas pegadizos pero una vez que avanza el álbum es un transporte a otro mundo, a otra dimensión donde todos ellos destacan sus habilidades tanto interpretativas como de ejecución e interpretación en su música. Gary Chewrone canta como jamás en su vida volvió a hacerlo, Nuno Bettencourt demostró ser uno de los mejores guitarristas de la historia con unos solos bestiales y unos riffs asesinos, pegadizos y geniales, incluso el bajeo de Pat Badger acompaña perfectamente y sigue tanto a la feroz batería de Paul Geary como a Nuno. Un trabajo lleno de matices, de contrastes, de tiempos abruptos, de sinfonías magistrales acompañadas de un piano y una melodía intensa y visceral, un ultimo tema bastante largo, pero que rememora esas historias conceptuales cantadas en tres capítulos, recordando mucho lo que hacían bandas como Rush. En pocas palabras llevaron el funk metal mil pasos más allá redefiniendo un sonido que ellos mismos inventaron, reinventaron y destruyeron en el siguiente trabajo, del que hablaremos en una posterior entrega. Por lo pronto estamos ante un disco sorprendente que bien vale la pena escuchar después de 28 años de haberse grabado y que, en su momento, em medio de los embates de la ola grunge, fue un disco que pasó sin pena ni gloria, casi desapercibido, como quien dice, pero de un nivel inusitado y destinado para mentes y oídos más maduros y mejor entrenados como los que tenemos los escuchas cuarentones. La producción es impecable, la grabación perfectamente bien ecualizada y la portada muy buena, muy diferente a lo que ellos mismos solían hacer. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Warhead”, “Rest in peace”, “Color me blnd”, “Peacemaker die”, “Tragic comic”, “Stop the world”, “God isn´t dead?” y “Everything under the sun”. El disco salió a la venta el 22 de septiembre de 1992 bajo el sello de A & M records.

Calificación: 10 de 10 puntos.

CRIMINAL – VICTIMIZED – 1994

CRIMINAL – VICTIMIZED – 1994

Tenemos el debut de esta gran banda chilena de thrash metal y que después cambió su estilo hacia ondas más Groove y más tendientes al nu metal que estaba en boga en esos años y que cuando salió este disco causaron sensación y boom ya que desde Sepultura no había sido escuchada con tanta insistencia y con tanta calidad una banda latinoamericana de calibres similares. En este trabajo su sonido fuertemente influenciado por Kreator y Slayer, fue llevado un paso más allá haciendo que por sí mismos crearan su propio estilo y esto les sirviera para darse a conocer más allá de sus fronteras y se consolidaran como una de las bandas más importantes de América Latina. El programa Headbangers ball de MTV latino fue la catapulta por la que se hicieron bastante famosos e incluso, a tierras mexicanas llegara este disco debut el cual tuvo mucho éxito. Un trabajo breve, destacable, con riffs muy buenos, temas con potencia y fiereza de esos que ya casi no escuchan en estos momentos y, sobre todo, de bandas latinas. En estos tiempos esta banda se encuentra en un serio Standby y no se sabe si seguirán con este proyecto o se embarcarán en otro. Por lo pronto, han dejado una huella bastante imborrable dentro de las mentes de quienes disfrutamos tanto ese programa de televisión como de la salida de una banda que en su momento cobró mucha importancia dentro del metal latino de habla inglesa. La producción es buena, la grabación es aceptable y la portada muy sencilla, algo común en bandas debutantes. El disco contiene 10 canciones de las cuales destacan: “Self destructon”, “Under my skin”, “Pressure”, “New disorder”, “Crucified” y “Stillborn”. El disco salió a la venta el 12 de noviembre de 1994 bajo el sello de BMG/Ariola records.

Calificación: 9 de 10 puntos.

SKID ROW – SUBHUMAN RACE – 1995

SKID ROW – SUBHUMAN RACE – 1995

Tenemos el tercer disco de esta gran banda de la era sleaze glam que llevo su sonido un paso más allá llenándolo de crudeza y fiereza, sobre todo con los temas, los riffs de guitarra y la sorprendente voz de Sebastian Bach, considerado en esos años entre los mejores vocalistas del género. Lamentablemente, nada de esto sirvió para permitir que la banda siga adelante para competir con la oleada grunge y el rock alternativo junto que además del llamado Nu metal, estaban ya asolando la música, especialmente el año en que salió este disco el cual, técnicamente, es el mejor de estos chamacos quienes demostraron una gran madurez musical, una capacidad interpretativa de Bach perfectamente bien delineada, demostrando lo talentoso que es este tipo y mostrando una faceta de Skid row más acorde a lo exigido en esos tiempos pero sin perder su esencia. En algunas canciones juegan con los síncopes, con las notas muteadas pero con guitarras muy potentes y técnicas, destacando la calidad compositiva y musical de esta genial banda que ahora se encuentra separada y muchos tenemos la esperanza que algún día se reúnan y nos devuelvan esa música que a muchos nos enganchó en los años donde el glam metal reinaba. L producción es genial, la grabación impecable y la portada muy minimalista que rehúye al logo original de Skid Row de sus dos anteriores trabajos. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “My enemy”, “Beat yourself blind”, “Remains to be seen”, “Frozen” y “Breakin’ down”. La edición japonesa contiene un tema extra número 13 titulado “Iron Will”. El disco salió a la venta el 28 de marzo de 1995 bajo el sello de Atlantic records.

Calificación: 7 de 10 puntos.

MEGADETH – COUNTDOWN TO EXTINTION - 1992

MEGADETH – COUNTDOWN TO EXTINTION - 1992

Pues he aquí el que fuera el quinto trabajo de esta legendaria banda y el segundo con la alineación clásico con Marty Friedman y Nick Menza en la que de plano llevaron su música un paso más lenta pero a la vez, un paso más allá. Después de experimentar fuertemente con un sonido ralentizado siguiendo la moda y tendencia de Metallica con su álbum negro en el año anterior, claramente se ve que la intención de Dave y compañía era la de irse hacia sonidos más comerciales y más sencillo pero sin que se perdiera la contundencia del sonido clásico de Megadeth tal y como lo habia estado manejando desde un principio. Recuerdo que este disco fue algo difícil de asimilar en las primeras escuchadas después de compararlo con el “Rust in peace” (1990) y de plano es un disco muy diferente en todos los aspectos. Empezando por las guitarras que suenan más concentradas, más crudas, más afiladas, donde el sonido de la marca Jackson es explotado hasta límites insospechados e inalcanzados gracias a los controles del buen Max Norman que intentaba darles algo más simple pero más duro. Marty Friedman aprovecha esto para sacar los solos más desquiciantes que te pudieras imaginar aunados a una feroz batería a cargo de Nick Menza quien no tiene piedad para aporrear los tambores de una manera muy técnica y fiel a su estilo y un Dave Ellefson que controla perfectamente el bajo para terminar de cuajar el sonido en sí de este disco. No me atrevo a decir que sea lo mejor de Megadeth, pero sí esta entre los mejores discos de su carrera en donde se han desprendido clásicos que aún en nuestros días no faltan en ninguno de sus conciertos. Un trabajo muy bueno, destaca mucho la habilidad técnica de Dave Mustaine y sus compinches y el inicio de un sonido algo ralentizado aunque poco distante de la escuela del thrash metal. La producción esta muy cuidada, la grabación suena muy compacta pero muy bien hecha y la portada del anciano es ya un clásico, aunque se nota que tiene influencia del video "The unforgiven" de Metallica.  El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Skin o’ my teeth”, “Symphony of destruction”, “Architecture of aggression”, “High speed dirt”, “Psychotron” y “Ashes in your mouth”. El disco salió a la venta el 14 de julio de 1992 bajo el sello de Capitol records.

Calificación: 8 de 10 puntos.

BLACK SABBATH – DEHUMANIZER – 1992

BLACK SABBATH – DEHUMANIZER – 1992

Pues he aquí el disco número 15 de Black Sabbath con nada menos que la reunión de la alineación de los años del Mob rules (1981) conformada por Ronnie James Dio en la voz, y Vinnie Appice en la batería con el bajo poderoso del señor Geezer Butler. En estos años esta banda intentaba salir airosa de los embates de la llegada del grunge y lo hicieron con maestría absoluta dejando en claro quién mandaba cuando se trataba de rock y metal. Un disco que contiene la contundencia del trabajo que mencioné arriba y los temas cargados de ese heavy metal muy sombrío con pellizcos hacia el doom que solamente esos fieros riffs de Tommy Iommi que no tienen ninguna piedad a la hora de crearlos e interpretarlos. Definitivamente la voz de dio es impresionante y la verdad, hizo un trabajo estupendo en este disco en el que le inyecta mucho de su feeling y su capacidad vocal con la cual nos da una cátedra de porqué posee una de las voces más bellas, si no es que la más, del mundo del heavy metal. Un trabajo perfecto, que no tiene ninguna canción de sobra, que esta equilibrado, que agrada a los oídos más exigentes al momento de escucharlo y que se ha transformado en un verdadero clásico de clásicos que la misma historia se ha encargado de colocar como uno de los más grandes discos de heavy metal de ese año en el que la transición auditiva estaba volcándose hacia el mentado y rementado rock alternativo haciendo que muchas bandas se fueran por el caño del olvido. La producción es buena, la grabación es lo único que no me agradó mucho pues no logró sacar bien el trabajo musical de la batería de Appice especialmente, misma que se ha caracterizado por un tono seco y contundente y en cuanto a la portada, es una de las mejores que se pueden ver, sobre todo en esa época. El disco contiene 10 canciones de las cuales destacan: “Computer god”, “After all (The dead”, “Letters from earth”, “Time machine”, “sins of the father” “I” y “Buried alive”. La edición japonesa viene con un tema extra numero 11 que es la versión para la película Wayne’s world (El mundo según Wayne) del tema “Time machine”. El disco salió a la venta el 22 de junio de 1992 bajo el sello de I.R.S. records.

Calificación: 9 de 10 puntos.

AC/DC – FLY ON THE WALL – 1985

AC/DC – FLY ON THE WALL – 1985

Pues he aquí el disco número diez de esta banda de hard rock australiana quienes en algún momento dijeron que ni sabían porqué existía ya que presenta un sonido más aligerado que sus antecesores y, para algunos, un tanto lejos del sonido fiero de estos chamacos, aún así se ha convertido en un clásico debido quizás a que con los años la perspectiva pudiera haber cambiado auditivamente hablando, pero no es así, al menos, no en mi caso y es que esta es la octava oída que le doy después de algunas perdidas ahí por los años y hasta había olvidado que lo tenía en CD, así que lo rippeamos y dimos una escuchada en ,mi Walkman digital Sony y pues esto es lo que me pareció. Un trabajo flojo, canciones muy simples, poco llamativas, con riffs que por ratos te despabilan, pero por otros no tanto, que llega a aburrir y pues consideras la opción de quitarlo después de escuchar las canciones que más o menos sonaron gracias a unos videos algo jocosos con los que lo dieron a conocer en su momento. Tenemos que entender y aceptar que este material salió en momentos donde el auge del glam metal estaba llegando a lo más alto y definitivamente este trabajo fue una búsqueda, quizás de no sonar como una banda glam, pero al menos intentaron encajar en este movimiento para darse un poco de vigencia. Bastante simple, sencillo, producido por los hermanos Young y que aun hoy no refleja ser uno de los mejores trabajos de AC/DC. De todas maneras es un disco que merece cierto mérito por convertirse en cumpleañero de 35 años y se le rinde un homenaje con esta reseña a un material que poco le hace justicia a una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos. La producción es muy pobre, para la época igual la grabación es poco nítida y sorprende porque ya existían poderosas máquinas para grabaciones de estudio y la portada es una gloria que ha resistido el paso del tiempo y que es el sello inconfundible de uno de los discos más infames de la historia del rock. El disco contiene 10 canciones de las cuales destacan: “Fly on the wall”, “Shake your foundations”, “Danger”, “Sink the Pink”, “Hell or high wáter” y “Send for the man”. El disco salió a la venta el 28 de junio de 1985 bajo el sello de Atlantic records.

Calificación: 7 de 10 puntos.

SLAUGHTER – THE WILD LIFE – 1992

SLAUGHTER – THE WILD LIFE – 1992

Este es el segundo disco de esta banda integrada por los ex músicos de Vinnie Vincent quienes después del avasallador éxito de “Stick it to ya” 1990) intentan salirle al quite al grunge que ya estaba predominando con fuerza en esos años con este nuevo trabajo que emula hasta cierto punto el sonido de su predecesor haciéndolo un clon prácticamente, mas los temas no tienen la fuerza que tuvo. Aquí sí ya tenemos cuatro baladas y alguna que otra canción que saca un poco a flote este disco que en su momento no fue bien recibido por el público que a lo mejor esperaba algo que supere al “Stick”. De todos modos, tan malo no es, tiene algunas cosas que lo salvan del hundimiento y es que, lamentablemente, este disco queda a deber quizás por la falta de promoción que tuvo en su tiempo y a los embates del grunge que ya estaban aplastando al disco. La producción es similar a la del anterior, la grabación es buena pero le faltó consistencia, he escuchado discos grabados que suenan mucho mejor y la portada es muy explícita a dos tintas que parece una fotocopia pero que, de todos modos es uno de los elementos que no dejan que caiga hasta el fondo este trabajo. Un disco que pasó sin pena ni gloria, que no fue del agrado de los fans que intentaban seguir manteniendo vivo los restos del llamado movimiento post glam del que esta banda fue parte en su momento. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Reach for the sky”, “Out for love”, “The wild life”, “Dance for me baby”, “Real love”, “Shake this place” y “Hold on”. La reedición de 2003 trajo cinco temas extra, 12, 13, 14, 15 y 16 que son: “Do ya know”, “Old man”, “Days gone by” en versión acústica, “Real love” en versión demo y “Perfect world”. El disco Salió a la venta el 21 de abril de 1992 bajo el sello de Chrysallis/Capitol records.

Calificación: 7 de 10 puntos.

FIREHOUSE – HOLD YOUR FIRE – 1992

FIREHOUSE – HOLD YOUR FIRE – 1992

Tenemos por aquí el segundo trabajo de esta banda de post glam metal quienes ya en este material se les escucha altamente acoplados con una producción muy superior a su anterior disco y en el que definitivamente se consolidan trayéndonos un material por demás decir, de lo mejor. Sin duda 1992 fue el año en el que estas bandas más algunas residuales de la era glam estaban intentando sobrevivir a los embates de la era grunge y creo que fue cuando más se esforzaron por salir adelante lo cual se demuestra por ejemplo en este trabnajo donde superaron el relativo éxito d esu primero disco destacando temas geniales, bien hechos, muy melódicos, donde destaca la capacidad vocal de C.J. Snare quien realmente impresiona con su interpretación. Un disco con baladas muy melosas pero muy buenas, una guitarra con riffs muy poderosos y bien trabajados a cargo de Bill Leverty y definitivamente un material que en su tiempo hubiera tenido altos niveles de ventas de no ser por el grunge. Esta banda fue muy popular en Japón y creo esto les ha ayudado a mantenerse vigentes durante esos años en los que el glam estaba dando sus últimos niveles de vida. La producción es de primera, la grabación es de lo mejor, suena mucho muy bien a comparación de muchas grabaciones actuales y la portada, simple pero muy memorable ya que muchos de esos años recordamos fácilmente de qué banda se trata cuando la vemos. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Reach for the sky”, “Rock you tonight”, “Sleeping with you”, “When I look into your eyes”, “Hold your fire”, “Life in the real world” y “Hold the dream”. El disco salió a la venta el 12 de junio de 1992 bajo el sello de Epic records.

Calificación: 10 de 10 puntos.

TRIXTER – HEAR! – 1992

TRIXTER – HEAR! – 1992

Tras el éxito de su anterior trabajo, estos chamacos regresan con este nuevo disco, el cual es el segundo de su carrera del llamado movimiento post glam de 1990 – 1993, año en que se dio por muerto a este género después del disco de Poison “Native Tongue” (1993). En este nuevo trabajo escuchamos a unos Trixter mejor acoplados, con temas mejor arreglados y la verdad, me encantó como fue grabado el disco ya que sobresale mucho todo el complejo instrumental de las canciones. Un disco que parece que fuera grabado en directo y en el cual en su tiempo hubiera superado al éxito de su anterior disco, ya que los temas son muy buenos, con ese hard rock bastante potente que estaba luchando por mantenerse vivo en medio d ellos embates de la era grunge que ya estaba azotando con fuerza ese año y que casi acaba con el hard rock. Los temas atacan tanto la parte festiva y alegre como la parte melosa con un par de baladas bastante interesantes que hacen que uno se quiera pegar a la chica en el momento de escucharlas. Un disco que en su tiempo paso sin pena ni gloria a pesar de que tiene muy buenas canciones y esta bien hecho y que demuestra que esta banda tenía talento de sobra para competir con otras dentro del imparable mundo del post glam. La producción es excelente, la grabación muy clara y poco procesada, parece que hubiera sido grabado en vivo. La portada muy sencilla pero muy explicita en el mensaje que dieron a entender. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Road of a thousand dreams”, “Damn Good”, “Rockin’ horse”, “Power of love”, “Nobody’s a hero”, “what it takes” y “On the road again”. El disco salió a la venta el 13 de octubre de 1992 bajo el sello de Mechanic/MCA records.

Calificación: 8 de 10 puntos.

FEAR FACTORY – DEMANUFACTURE – 1995

FEAR FACTORY – DEMANUFACTURE – 1995

Pues tenemos por aquí el segundo disco de esta banda que de alguna manera contribuyó a darle al metal industrial esa furia y agresividad propia del metal extremo, pero sin que perdiera la esencia y el camino a seguir. Después del sonido death metal de su anterior disco, Dino Cazares y compañía deciden darle un giro inesperado e interesante a su música presentando un disco con una estructura modernizada para la época y a la vez muy técnica, pues este gordito creó en este disco unos riffs bestiales que al momento de escucharlos e intentar sacarlos en la guitarra eléctrica, te das cuenta de la complejidad de la composición y que es muy difícil llegar a dominarlo. Un disco que en lo personal solamente cuatro canciones me gustaron, no me atrevo a decir que sea el mejor de Fear Factory, pero sí el disco con el que se dieron a conocer a nivel mundial en pleno auge de una década que tenía al metal alternativo por encima y en el que el metal estaba casi relegado a un segundo plano. Destaca soberbiamente la batería de Raymond Herrera a quien conocemos por su trabajo en la banda de death metal mexicana Brujería y quien destaca por la velocidad con la que mueve el doble bombo la cual es desquiciante y deja con la bpoca abierta al que sea;  los riffs portentosos de Dino Cazares quien también grabó el bajo, aunque después de hicieron acompañar de Christian Olde Wolbers y la voz de Burton C. Bell quien la verdad, tanto puede hacer growls como partes melódicas y limpias, con un timbre genial y perfecto para este estilo en el que demuestra que se trata de un vocalista con una amplia capacidad y talento. Si bien dicen por ahí que Ministryson los padres del metal industrial Fear Factory son los hijos que superaron al progenitor, trayéndonos este disco que marcó la ruta a seguir por esta banda. El disco contiene 11 canciones de las cuales destacan: “Demanufacture”, “Self bias resistor”, “zero signal” y la monumental y famosa “Replica”. La edici´ño0n en digipack lanzada ese mismo año contiene cuatro temas extra 12, 13, 14 y 15 que son: “Your mistake” cover de Agnostic Front, “¡Resistancia!”, “New breed” en remezcla y “Replica también remezclada. El disco salió a la venta el 15 de junio de 1995 bajo el sello de Roadrunner records.

Calificación: 7 de 10 puntos.

TRIXTER – 1990

TRIXTER – 1990

Después de la era glam metal, a la que dí por terminada por allá de 1989, este tipo de metal evolucionó en otra faceta a la que llamaría post glam metal que no tiene nada que ver con ésta pero que igual dio camadas de grupos de hard rock cuya música estaba más orientada al público femenino donde colocaban caras bonitas entre los músicos, así como temas melosos y muy melódicos. Entre estas estaban Firehouse, Nelson cuyo sonido estaba más orientado al AOR/hard rock y, por supuesto, Trixter. Esta banda en su momento causó cierto impacto porque sus integrantes optaron por una imagen más urbana, siempre con los pelos largos y una música muy bien detallada para agradar a las chicas buscando llevar sus ganancias un poco más allá. Un disco con temas sumamente melódicos, con una guitarra bien equilibrada que suena duro, pero sin avasallar los oídos, con solos muy bien hechos y que recuerda mucho tanto a los riffs de Def Leppard donde el señor Steve Brown da cátedras de hacer unos solos tanto complejos como a la vez melódicos. Un disco cargado de temas pegadizos desde que empieza hasta que termina, bien hecho, con un par de baladas melosas pero escuchables, sobre todo a la hora de… bueno en ese entonces no era llevar a la chica a ver Netflix, sino a escuchar a Trixter. Un trabajo que a muchos les agradó, pero a otros no porque llevaron su sonido a una escala muy comercial, pero a la vez de gran calidad. De plano dieron un ejemplo soberano de que se puede llegar a las masas con discos bien hechos como este. Un disco destacable para los que gustan del hard rock decente, noventero (de principios), accesible y que pudo ser colocado en los estéreos de automóvil de esos años sin obligar a la chica a que nos haga cambiar el cassete/cd porque no soportaban el buen rock. Un verdadero ejemplo de que el post glam metal pude ser de buen gusto. La producción es bastante buena, no abusaron de los recursos técnicos lo cual hace que se perciba mejor la calidad de estos chamacos que son excelentes músicos. La grabación muy buena y la portada estilo cómic, de las mejores de su tiempo y que hasta hoy, es inolvidable, especialmente su logo el cual es genial. Dibujado hasta el cansancio por los amantes del buen hard rock. Su mejor disco, el álbum perfecto que ni hasta hoy, con su reunión, han podido superar. El disco contiene 12 canciones donde todas están geniales. El disco impecable por donde se le oiga. El disco salió a la venta el 10 de mayo de 1990 bajo el sello de MCA records.

Calificación: 10 de 10 puntos,.

MEGADETH - YOUTHANASIA – 1994

MEGADETH - YOUTHANASIA – 1994

Este es el sexto disco de la banda de Dave y compañía. Un trabajo que en medio de la era de los noventas con el auge del grunge y el rock alternativo, el metal se estaba viendo en aprietos, lo cual llevo a suavizar el sonido de las bandas y, este disco, no sería la excepción. En este trabajo las guitarras están afinadas un semitono abajo y con una distorsión más espesa, donde Dave procuró que los riffs suenen más pesados y a la vez más melódicos, con la mano de Marty Friedman quien colaboró con los arreglos, los interludios en guitarra acústica y sus geniales solos. Un disco que se torno mucho más comercial que su antecesor “Countdown to extintion” (1992) pero a la vez conserva bastante los elementos que identifican a Megadeth. Es una pena que con estos discos de la era de los años noventa se haya desperdiciado el talento de Marty y de Nick Menza con discos que no reflejan ese thrash sabroso de Megadeth donde dejaron en claro con su “Rust in peace” (1990) que no estaban jugando con los oídos de sus escuchas. “Youthanasia” marcó una transición en el que buscaban como encajar entre el público haciendo temas muy accesibles de escuchar, rayando casi en el hard rock, con un tema pegadizo con ritmos asincopados como “Train of consequences” o una balada muy buena sin ser melosa como “A tpout le monde”, una verdadera oda al suicidio, fruto de los tormentosos ires y venires psicológicos de Dave en sus años de adicciones a las drogas. Un trabajo que no es lo mejor de Megadeth, pero ejemplifica perfectamente que se puede hacer buena melodía sin perder contundencia. Un disco que en su momento se aceptó entre los fans pero esperaban más, mucho más. La producción es muy buena, la grabación es perfecta y la portada es increíble, aunque bastante criticada en su momento por tener a los bebés colgando de un tendedero, pero como dijo Dave, se trata de una metáfora de lo que el sistema social le esta haciendo a la sociedad desde su nacimiento. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Reckoning day”, “Addicted to chaos”, “A tout le monde”, “The killing road”, “I thought I knew it all” y “Victory”. La edición japonesa contiene 4 temas extra que son “A Crown of worms” y los temas en vivo “Holy wars… the punishment due”, “Symphony of destruction” y “Sweating bullets”. El disco salió a la venta el 1 de noviembre de 1994 bajo el sello de Capitol records.

Calificación: 7 de 10 puntos.

MEGADETH – CRYPTIC WRITINGS – 1997

MEGADETH – CRYPTIC WRITINGS – 1997

En esta era de los años noventa, con la era grunge en su apogeo, muchas bandas se vieron en aprietos para grabar discos que fueran orientados en este sonido que dejaba altas cantidades de dinero por las ventas. Las bandas de metal tradicional tuvieron que irse por otros lados para explorar sonidos alternos y darles a sus discos una dimensión nueva si querían sobrevivir en esa época tormentosa, musicalmente hablando. Este que es el séptimo disco de Megadeth refleja un intento por darle un giro a su música bastante radical, pero a la vez conservando las estructuras armónicas de ese heavy thrashero en los riffs de guitarra de Dave Mustaine. Para Marty Friedman fue una oportunidad de explorar otras cosas ya que este chamaco estaba (según decía) hartándose del metal.

 - Debió pensarlo mejor antes de entra a esta banda – Un disco que muestra otra faceta de Megadeth. No pierde agresividad, explora mucha más melodía que en el anterior disco, regresan a la afinación en tono natural, las guitarras suenan menos distorsionadas, casi sin efectos, pero aun se escuchan esos riffs de escándalo en algunos temas. Definitivamente Marty aporta unos solos geniales, perfectamente bien adheridos tanto a lo melódico de los temas como a su técnica envidiable con el instrumento, sobre todo en las partes acústicas, Dave Mustaine interpretando de una forma más limpia y sobria sus temas y la batería del difunto Nick Menza suena espectacular y un bajo de Dave Ellefson que se escucha muy centrado. Un disco que con el paso de los años ha cobrado cierta relevancia ya que en su momento fue odiado pues incorporaron otros instrumentos como cítaras, violines, guitarras acústicas y algunos sonidos electrónicos enriqueciendo mucho la experiencia musical de este trabajo. Para mi opinión, supera en calidad al “Youthanasia” (1994). De todos modos “Cryptic writings” se ha transformado en un verdadero clásico pues muchos de los temas que se encuentran en él han pasado a la historia y que ya son parte importante del repertorio de Mustaine y cia. La producción es fenomenal, la grabación es de primera y la portada con ese símbolo referente a la captura de sueños da una idea de lo que te vas a topar una vez que lo escuches. No es lo mejor de Megadeth, pro seguramente te atrapará. El disco contiene 12 canciones de las cuales destacan: “Trust”, “Almost honest”, “I’ll get even”, “She-wolf”, “Vortex” y “FFF (Fight for freedom)”. el disco salió a la venta el 17 de junio de 1997 bajo el sello de Capitol records. .

Calificación: 9 de 10 puntos.